Jungleland

6.7
Jungleland Un boxeador y su manager deben viajar por todo el país para un último combate, pero un inesperado compañero de viaje expone las grietas en su relación a lo largo del camino.   Jungleland Critica Una cinta sencilla y pequeña que utiliza muchos tópicos sobre el cine de boxeo, en la historia no se ve nada nuevo, ningún giro, solo la pausada cuesta abajo de dos hermanos que tratan de salir adelante y una chica cuyo destino se cruza con ellos. Donde brilla, es en la dinámica de la relación entre los dos hermanos, siendo realista, cruda y detallista, haciendo un buen estudio de esa relación. También destaca en las interpretaciones, que están a muy buen nivel en general. Max Winkler acierta como director de actores y presenta muchos elementos de estilo interesantes, aunque no acaba de elaborar suficientemente las tramas. Unos personajes que han perdido mucho, no han tenido oportunidades y buscan con desesperación algo mejor mientras con cada intento por salir del pozo se van hundiendo más y más, pero también con algo de talento y determinación por perseguir su sueño.
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1080p Dual Español Latino 26/12/2020 1.82 GB 16 Descargar

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Rocky IV

Drama
7

Rocky IV Nuevas aventuras tanto personales como deportivas del boxeador Rocky Balboa, que en esta ocasión debe enfrentarse a un duro y frío boxeador soviético, llamado Ivan Drago.   Rocky IV Critica Hay un cine del que casi nunca nadie habla. Con frecuencia son películas que vimos en nuestra infancia antes de que supieramos quien era Al Pacino. Son películas de las que no habíamos oido hablar hasta que nuestro tío nos anunciaba su título en la cola frente a las taquilla. No podíamos ver el trailer ni el reparto dos años antes en internet y uno tenía que decidirse por la pinta de los posters. Alguien decía:"Venga, vemos ésta, ¿no?" y entonces toda la familia entraba. El cine de acción de los ochenta era un poco todo así: anónimo, bélico, comunista, a granel. Luego con la llegada de las privadas a España estas películas se convirtieron en cine de sobremesa y las pasaron tanto que se grabaron a fuego en la mente de una generación: "Superdetective en Hollywood", "La princesa prometida", "La historia interminable", "Los fantasmas atacan al Jefe", "El principe de Zamunda", "Robocop", "Rocky IV", "Tango y Cash", "Perseguido","Yo soy la justicia",etc. Luego ya con los 90 y la caida del muro de Berlín, empezamos a hacernos mayores y a descubrir a Robert de Niro y a Spielberg, a Kurosawa y a Truffaut. Y, claro, uno mira atrás y lo que descubre precisamente no es cine de autor: lo que uno descubre es otra cosa. Rocky IV debe de ser uno de los máximos exponentes de ese otro cine del que a cierta edad uno deja de hablar en parte por olvido y en parte por miedo a que te baje la nota media. Llegados a cierta edad, hay que guardar cierta compostura. Y Rocky IV, reconozcámoslo, era maniquea, farisea e ideológicamente demencial. A cambio, este otro cine, tan caduco e irrelevante para algunos, nos proporcionó algo que ninguna película de Coixet o Von Trier nos podrá dar jamás: un pegamento emocional y unas tardes en familia indelebles. Rocky IV es un circo, pero un circo con su héroe y su villano diseñado para hacernos disfrutar. Drago es el malo al que todos soñamos con derrotar.Impagable y ridícula a la vez, Rocky IV es el otro cine, puro cine: el James Bond del boxeo, la página porno que uno no puede dejar de visitar.    

Califato

Drama War & Politics
7.7

Califato La agente de Seguridad Nacional, Fátima, recibe un aviso de que un ataque terrorista contra Suecia está en la etapa de planificación. Mientras tanto, Sulle, una adolescente en Estocolmo, se interesa por su estudiante asistente que abre las puertas a un mundo nuevo y fascinante: el verdadero camino. Kalifat es un thriller sobre el destino entremezclado de cinco mujeres jóvenes que quedan atrapadas en la fuerza seductora y destructora del fundamentalismo religioso.   Califato Critica *Dos mujeres unidas para evitar un atentado Si buscas algo divertido, esta no es tu serie. Ya aviso de antemano que Kalifat es un asfixiante thriller dramático que deja muy mal cuerpo. Y lo hace porque nos habla de algo terrible que está sucediendo actualmente en nuestra sociedad. Sí, es una serie sobre terrorismo, pero lo más inquietante es como se introduce el elemento del fanatismo religioso entre los adolescentes de países europeos. En este caso, la acción sucede paralelamente en Suecia y Siria. En Suecia tenemos a una agente de policía que intentará por todos los medios detener un inminente atentado del ISIS. Para llevar a cabo su investigación, deberá enfrentarse a sus superiores, arriesgando su carrera y su vida para lograr las pistas necesarias que destapen el entramado terrorista. En Siria tenemos a su confidente. Una mujer normal, madre de un bebé y esposa de un talibán, que se convertirá en espía a cambio de la promesa de poder escapar del país. Cualquier movimiento en falso le puede costar la vida si es descubierta. En Kalifat tenemos a dos mujeres unidas, a través de una línea de teléfono, que por razones distintas pueden salvar cientos de vidas. *El adoctrinamiento ideológico Kalifat es una serie llena de intensidad. Tras un inicio algo caótico y deslavazado, a medida que avanzan los capítulos, sientes como la situación se vuelve cada vez más tensa y peligrosa, logrando transmitir al espectador esa sensación constante de angustia. Es inevitable sufrir por la maldad que profesan unos y por la insensatez de otros. En los primeros capítulos, hay giros dramáticos muy previsibles, pero la cosa mejora en los siguientes. Pero más allá de esos momentos de acción y suspense bien elaborados, lo más interesante de la serie es su acercamiento al tema del adoctrinamiento ideológico de las chicas adolescentes que son captadas en Europa para llevárselas a Siria. Suelen ser inmigrantes musulmanes de segunda generación que no se sienten plenamente adaptados ni arraigados culturalmente al país donde residen. Ya sea por su entorno social o económico, o por la discriminación que hayan podido sufrir por su procedencia, termina radicalizándose en su acercamiento al Islam. *Un entretenimiento que te hace pensar Es un tema que hace poco trataron los Hermanos Dardenne en su película El joven Ahmed (2019). Fue un film aclamado por la crítica que a mí me pareció demasiado superficial y naïf. Por suerte, Kalifat, sin perder nunca de vista su enfoque como producto de entretenimiento para todos los públicos, ahonda mucho más en las razones y en los porqués que los afamados directores belgas. La visión poliédrica que ofrece Kalifat del asunto me parece bastante acertada, aunque es cierto que deja muchos asuntos en el tintero que darían para otro debate de carácter más político. No pretende ser un análisis exhaustivo del terrorismo, pero sí muestra con valentía el funcionamiento de las redes de captación de jóvenes en busca de un paraíso inexistente. Conclusión La serie sueca Kalifat es un interesante y emocionante thriller dramático. Tiene muchos momentos de suspense y tensión, y termina dejándote bastante mal cuerpo por el tema que trata. Está creada por Wilhelm Behrman y Niklas Rockström, y su director es el realizador bosnio Goran Kapetanovic. La serie aborda con valentía la captación de jóvenes por parte de grupos terroristas, así como su adoctrinamiento y radicalización ideológica. No deja de ser un producto de entretenimiento, pero también te invita a la reflexión. Kalifat posee un ritmo narrativo adecuado y una atmósfera asfixiante. El reparto también realiza un gran trabajo, destacando la entrega de Gizem Erdogan, Aliette Opheim y Amed Bozan. La serie es una buena opción para los que busquen aunar la diversión de una ficción con la observación del mundo real que nos rodea.

Dunkerque

Acción Bélica Drama
7.4

Dunkerque II Guerra Mundial. Cientos de miles de británicos y tropas aliadas están rodeados por las fuerzas enemigas. Atrapados en la playa con el mar a sus espaldas se enfrentan a una situación imposible mientras el enemigo se acerca. La película relata la Operación Dinamo, también conocida como el milagro de Dunkerque. Se trató de una operación de evacuación de las tropas aliadas en territorio francés, que tuvo lugar a finales de mayo de 1940. La operación permitió el rescate de más de 200.000 soldados británicos y más de 100.000 franceses y belgas. Dunkerque Critica Antes que nada, lo que hay que dejar claro es que hay que analizarla desde dos puntos de vista bien diferenciados. El primero es el plano técnico. Aquí hay que darle un 10.00, como a Nadia Comaneci. Con Salvar al soldado Ryan, el cine bélico dio un salto cuyos ecos seguimos viendo en las actuales producciones. Pero Christopher Nolan ha conseguido lo que parecía imposible, ir un paso más -o varios- en esa búsqueda del máximo realismo, conseguir que el espectador sienta que está en plena batalla. Todo colabora en ese objetivo; el sonido (consigue sobresaltarnos porque parece que nos disparan a nosotros, o que los Stukas nos están atacando), la fotografía (fantástica, esos colores apagados, esos desenfocados propios de las filmaciones de entonces), la ambientación, el gran número de extras, la aparente ausencia de efectos digitales... No voy a insistir. Nolan consigue sumergir (a veces literalmente) al espectador en esa experiencia inmersiva, valga la redundancia. Y ahora vamos con la otra cara de la moneda. Soy poco sospechoso de no valorar el trabajo de Nolan (he visto Memento unas 15 veces y Origen me fascinó también), pero aquí la verdad es que no hay una historia potente detrás. No veo conflicto, dilemas morales, suspense (pese a los numerosos cliffhangers)... no acabas amando u odiando a nadie, y la verdad es que te da un poco igual si los protagonistas se salvan o no. Son de esas interpretaciones tan contenidas que acaban por no transmitir nada. Contra todo pronóstico, el único actor que logra transmitir algo es Harry Styles, el chaval que es, o ha sido, cantante del grupo One Direction. Los demás, muy flojitos, ni siquiera Kenneth Branagh levanta el vuelo. Jugando a productor, le hubiera dicho a Nolan que aumentase el metraje a 2 horas mínimo. Da la sensación de que había que cortar escenas (los sucesivos hundimientos se hacen cortísimos, cuando daban para situaciones bien dramáticas). También hubiera mostrado combates con los alemanes, o hubiera dado más juego a los pobres franceses que tenían que conservar el perímetro (aquello de que los ingleses lucharán hasta el último francés)... en fin, que la película daba mucho más juego del que al final ha dado. En suma, como experiencia visual, más que recomendable, pero como historia creo que no llega ni al aprobado, así que un 5. En todo caso, si os gusta la Segunda Guerra Mundial, no os la podéis perder, claro. Un consejo, si habéis conseguido engañar a vuestra novia/mujer para que os acompañe a verla (a la inversa), reconsiderad la decisión si no queréis ver luego caras largas. Estáis avisados.

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie)

Comedia Drama
7.1

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) El Gordo y el Flaco Stan (Steve Coogan) y Ollie (John C. Reilly), conocidos en castellano como "El gordo y el flaco", se embarcan en su gira de despedida ahora que su época dorada parece haber quedado anclada en el pasado. Con la ayuda de sus respectivas mujeres, Lucille (Shirley Henderson) e Ida (Nina Arianda), ambos logran conquistar al público de las salas de Reino Unido gracias a su peculiar manera de interpretar y de entender el mundo. Este biopic ahonda en la personalidad de ambos personajes y en las circunstancias personales que les convirtieron en figuras cómicas de leyenda. El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) Critica       Entre el Gordo y el Flaco hay algo más que peso; juntos hicieron más de 30 cortometrajes mudos, 40 cortos sonoros, 20 largometrajes y 10 cameos. Y es que, entre muchas de las parejas cómicas de la historia del cine, Stan Laurel y Oliver Hardy están considerados como unos de los mejores humoristas del séptimo arte. La propuesta era arriesgada. Sin embargo, Jon S. Baird y su equipo la han sabido ejecutar sin escatimar en detalles ni añadir florituras innecesarias. Jon, que después de Filth, el sucio (con James McAvoy) se había estado dedicando a las series de televisión, ahora vuelve con fuerza a la gran pantalla. Pero es Jeff Pope, un gran admirador del dúo cómico y conocido productor y guionista, quien se encarga de sacar a relucir la gira teatral que realizó la pareja por el Reino Unido a principios de los 50. Pope y Baird cuentan con dos excelentes actuaciones. Por un lado Steve Coogan, que ya había colaborado con Pope en el guion nominado al Óscar de Philomena y, por otro, el cómico John C. Reilly (Chicago, Guardianes de la galaxia). Ambos se han llevado nominaciones por estas interpretaciones en los Globos de Oro y los BAFTA. El film sabe arrojar luz sobre un periodo concreto de este dúo y descubre mucho más que una mera biografía. El tesoro se encuentra en dos personas muy distintas a las que les une algo más que sus personajes. Así que, entre payasadas y lagrimillas, no solamente celebran la grandeza del Gordo y el Flaco sino que retratan una alabanza a la amistad.

Zombi Child

Drama Fantasía Terror
6.6

Zombi Child Haití, 1962. Un hombre vuelve de entre los muertos para trabajar en las infernales plantaciones de azúcar. 55 años después, una joven haitiana le dice a sus amigas su secreto familiar, sin saber que esto llevará a una de ellas a cometer una atrocidad.   Zombi Child Critica *Vudú, zombis y cine El vudú es un culto sincrético, proveniente de diversas creencias animista africanas, más concretamente de la región de la Costa de Oro con una fuerte influencia del catolicismo. De esta forma diversos espíritus elementales, conocidos como los Loa. Estos se entremezclan con simbología como imágenes marianas o el Sagrado Corazón de Jesús. Uno de los loas más importantes en la figura del Barón Samedi. Vinculada al mundo de los muertos y la ultratumba, es una deidad pícara y granuja y uno de los loas más poderosos del vudú. El vudú siempre ha sido tratado en el cine con cierto grado de exotismo y siempre desde una óptica blanca. Tenemos ejemplos del vudú y los zombis en el cine en títulos tan reseñables como Yo anduve con un zombi de Jacques Tourneur. Aparecen también en la saga de 007 en Vive y deja morir. Por último, Wes Kraven trató de dar una perspectiva más antropológica en la película La serpiente y el arcoíris. En esta última se entremezclaba en su segunda mitad con fuertes elementos fantásticos. En Zombi Child, Bertrand Bonello huye de la frivolización de los zombis y de las hordas babeantes descerebradas. Sí es cierto que, George Romero, con permiso de Los Pitufos Negros, fue el primero en tratar a los zombis como infectados. Pero su tratamiento suponía una crítica a la sociedad de consumo. Antes de eso, el fenómeno zombi se vinculaba en el cine al vudú y a su origen ritual. *El Montaje Para lograr esta aproximación a la figura del zombi, Bonello opta por un montaje paralelo entre dos realidades muy diferentes que tienen en común el ser francoparlantes. Por un lado, la película muestra la situación de Haití y como la presencia del vudú supone un hecho importante en la configuración de su sociedad. Las imágenes se tornan etnográficas, al mostrar los diferentes ritos, cantos y bailes. Exóticos a nuestros ojos, pero comunes a los de las personas de Haití. El otro apartado del montaje es un prestigioso internado de señoritas en Francia. Donde se promulga una educación de élite a diferentes señoritas y mostrando la vida en Europa. Aquí aparecen las tensiones y dramas propios de la adolescencia. La consolidación de la amistad, los amores y desamores y las diferentes bromas mientras se crece. *Personajes Aquí entra en juego la amistad entre ambos personajes protagonistas. Una de ellas (Wislanda Louimat), es hija de refugiados políticos haitianos que lucharon contra la dictadura de Duvalier. Otra (Louise Labeque), es una muchacha con una relación sentimental epistolar. Ambos mundos se funcionan, la Francia laica y europea con el Haití espiritual y caribeño. La fascinación por el otro hará llevar al personaje interpretado por Labeque a despertar una curiosidad que pueda tener consecuencias fatales. Entre medias, se explica el origen del vudú, su idiosincrasia y sus consecuencias. La apreciación se hace siempre desde la perspectiva de los personajes haitianos, pero la fascinación que sienten los personajes europeos, la compartimos los espectadores. *Conclusión Zombi Child es un buen trabajo de terror. El que suscribe este texto no es especial fan del género de terror. Pero en esta película se hace una gran aproximación a la temática zombi y sobre todo la implicación cultural y religiosa que tiene para el culto vudú. Su tratamiento es siempre respetuoso y su acercamiento se hace con interés de antropólogo. Totalmente recomendable.

La música del terremoto

Drama Misterio Romance Suspense
5.6

La música del terremoto Tokio, Tokio, año 1989. Lucy Fly (Alicia Vikander) es una mujer expatriada que huye de un doloroso pasado. Cuando su mejor amiga en la capital japonesa Lily Bridges (Riley Keough) desaparece sin dejar rastro, recae sobre ella la sospecha de haberla asesinado tras darse a conocer un triángulo amoroso entre ellas dos y Teiji (Naoki Kobayashi), un atractivo fotógrafo japonés.   La música del terremoto Critica 'La Música del Terremoto' decepciona ya que tenía muchos alicientes para llegar a ser una buena película. Un director con una trayectoria interesante, Atticus Ross (oscarizado por 'La Red Social') encargado de la banda sonora, un elenco de primera con dos de las actrices más en forma del momento, una ambientación ochentera situada en el siempre exótico Japón y ese estilo pop con fotografía colorista que podía darla un toque único. En cambio, nos encontramos con un thriller mediocre que no logra ser lo suficientemente atractivo debido principalmente a una plana adaptación de la novela inglesa multipremiada en la que se basa. No tiene un ritmo que enganche al espectador (en parte por culpa del montaje), recurre a secundarios estereotipados y poco desarrollados e intenta poetizar continuamente recurriendo a situaciones y diálogos forzados. Su director está curtido en películas con personajes femeninos potentes. En sus anteriores trabajos cumple dirigiendo a actrices de renombre como Keira Knightley, Christina Ricci o Julianne Moore en sendos papeles protagonistas, y en esta ocasión hace lo propio con las talentosas Riley Keough y Alicia Vikander, sin duda lo mejor de la película junto con el toque exótico de rodarse en tierras niponas. Pero resulta un esfuerzo vacuo, porque a pesar de estar bien contextualizada, la historia en su conjunto carece del interés necesario y no consigue sumergirnos en la atmósfera intrigante u opresiva que cualquier buen trama noir necesita. Ahí están ejemplos como 'Burning' o 'Under the Silver Lake', cercanos en temática y tiempo aunque no en resultado.