Patton

7.5
Patton Biografía del general norteamericano George S. Patton, quien, tras vencer al mariscal alemán Rommel en el norte de África, condujo a sus tropas de manera imparable a través de Europa.  Patton Critica Franklin Schaffner es uno de esos directores que a lo largo de su carrera realizaron muy pocas películas, pero dejaron una huella indeleble en el séptimo arte. De la lista de sus catorce películas hay dos que enseguida llaman la atención. Una es "El planeta de los simios", la otra es "Patton".Ambas tienen en común el haber creado iconos cinematográficos fácilmente identificables por la sociedad. En la primera tenemos a Charlton Heston arrodillado frente a la Estatua de la Libertad en uno de los mejores alegatos antibelicistas que se han mostrado en una pantalla. En la segunda tenemos esos 6 minutos de impactante discurso inicial de George C. Scott con la bandera norteamericana al fondo.La película fue estrenada en 1970, en plena Guerra del Vietnam. Lo más curioso es que fue vista simultáneamente como burda propaganda belicista y como panfleto pacifista. Los primeros recalcaban la frases que recita Patton en su discurso o mostrándolo como si fuera el último de los héroes románticos (en una escena se dice de él es una especie de Don Quijote). Los segundos incidían en que Patton era presentado, no como un héroe, sino como una especie de psicópata egocéntrico con ínfulas de poeta que sólo era feliz en la guerra y que creía en la reencarnación.Veinticinco años después de su estreno la controversia sobre película renació, pero esta vez de la mano del director Oliver Stone. Al parecer, "Patton" era la película favorita de Nixon y quiso utilizar algunas imágenes en su película biográfica sobre dicho presidente. Según Stone, "Patton" era una incitación directa al genocidio y la consideraba una de las dos películas más influyentes sobre la historia norteamericana porque inspiró a Nixon el bombardeo sobre Camboya y Laos. Lo malo del alegato de Stone es que en su opinión la segunda película más influyente pero en sentido positivo, era su "JFK" (lo que demuestra que la modestia es una virtud de la que carece Stone). El caso es que al final Stone se quedó sin "Patton" porque el propio George C. Scott se negó en redondo a permitir el uso de cualquier escena de la película.El guión de "Patton" era inicialmente de Francis Ford Coppola, pero posteriormente se tuvo que añadir a Edmund H. North. La historia base, aunque auténtica, es arquetípica: héroe que consigue una proeza, cae en desgracia, vuelve a levantarse realizando una proeza mayor y vuelve a caer en desgracia.Volviendo a la polémica de si es una obra pro-belicista o anti-belicista. Quizás la respuesta está en uno de los diálogos de la misma película. En una escena, uno de los soldados comenta a otro - There he goes. "Old Blood and Guts". A lo que el compañero contesta - Yeah, OUR blood and HIS guts.
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5.3

The Bad Batch Nos situamos en una sociedad post apocalíptica, en el desierto de Texas. Allí vive una comunidad caníbal con la que se encuentra Arlen, una desterrada solitaria que durante sus días en el desierto se hace amiga de una niña y su mascota. El líder de la comunidad se interesa por esta extraña pareja cambiando la vida de Arlen para siempre. El amor, la toma de decisiones y la búsqueda de la verdad serán algunas de las tantas cosas que tendrá que afrontar la protagonista.The Bad Batch CriticaNo todo el cine que se preocupa por elaborar una crítica a (en este caso Estados Unidos) un sector polémico, debe determinar por sí mismo una garantía de calidad. Nos queda muy claro qué es lo que Amirpour quiere denunciar, pero, ¿y ahora qué? Sin este contexto político no sería nada más que una cinta caníbal englobada en un marco distópico.Parece tratarse más de una cinta protagonizada por sus secundarios que por Waterhouse. Su presentación no es nada atractiva, pasa rápidamente a un segundo término solapada por el lugar/contexto (cuando nos quedamos con el mensaje en al valla, min 2:14). En cambio, Amirpour realza la presentación de todos sus protagonistas masculinos, que cobran rápidamente una fuerza que no posee Waterhouse. Se crea así un interés, sin saciar, por Momoa, Reeves o Carrey en vez de seguir con las aventuras de Suki.El mensaje barato del filme, aunque razón no el falte, no basta como para salvarlo de la belleza estética que persigue Amirpour. Y aunque sí consigue una estética perseguida, la narrativa junto con una sencilla puesta en escena, hace del filme algo muy olvidable.

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Sintonia Contada a través de la perspectiva de tres personajes diferentes, la serie explora la interconexión de la música, la religión y el narcotráfico en São Paulo.

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Cats En el basurero de los gatos Jélicos, una tribu de gatos deberá decidir como cada año cuál ascenderá a una nueva vida jelical. Allí conoceremos a la gata blanca Victoria (Francesca Hayward), a Old Deuteronomy (Judi Dench) que es quien decide qué gato será el elegido, además de al misterioso Mr. Mistoffelees (Laurie Davidson), al rockero Rum Tum Tugger (Jason Derulo), al refinado Bustopher Jones (James Corden), junto con Grizabella (Jennifer Hudson), Macavity (Idris Elba), Jennyanydots (Rebel Wilson), Gus (Ian McKellen) y Bombalurina (Taylor Swift). Esta película es la adaptación del famoso musical de Broadway Cats basado en la obra de Andrew Lloyd Webber, inspirada a su vez en una colección de poemas de T. S. Eliot.  Cats Critica Ay Dios mío. A ver, os cuento. Ayer fui a ver Cats, por fin. Llevaba esperándola meses. La sala estaba prácticamente vacía. Una madre con su hija, mis dos amigos y yo. La niña tendría unos cinco o seis años. Una niña valiente, os lo digo en serio. Vaya ovarios. Si yo hubiera visto Cats con esa edad, me habría echado a llorar de puro terror. Y es que Cats es, y no sorprenderá a nadie a estas alturas, un espectáculo grotesco, un desastre absolutamente impagable. Pero hablemos antes del musical, por favor, que por algún lado tengo que empezar.Cats se estrenó en West End en 1981 y en Broadway en 1982 y, contra todo pronóstico, se convirtió en uno de los musicales más exitosos de la historia (se calcula una recaudación rondando los cuatro mil millones de dólares desde su inauguración). Este éxito apabullante es algo que yo no entenderé en la vida, porque qué queréis que os diga, a mí me parece un musical terrible. TERRIBLE. La principal razón es que Cats no tiene argumento. Y esto no es una forma de hablar. Voy a deciros cosas que igual parecer spoilers, pero creedme, no lo son, porque repito, NO HAY PUTO ARGUMENTO. Y ahora vamos con la película.Hay una tribu de gatos que son los Jélicos (no se da ninguna información sobre qué es un Jélico, quién forma parte de esta tribu, cómo se llega a formar parte, nada) que cada no sé cuánto tiempo se reúnen para que un gato viejo elija quién merece renacer en una nueva vida. Esto te lo dicen en los primeros cinco minutos. El resto son gatos presentándose. O más patético aún, gatos presentando a otros gatos. La mayoría no tienen ninguna función en la trama. A los cinco minutos de acabar, el gato viejo revela al elegido (decir quién es es lo único que podría considerarse spoiler) y la película acaba. Y YA ESTÁ, Y TE CALLAS LA BOCA. Gatos presentándose, bailando, frotándose, poniendo caras y posturas extrañas y, en ocasiones, pareciendo estar extrañamente cachondos. Cats es una fantasía para fetichistas. Estoy convencido de que Andrew Lloyd Webber es un furry, y un furry particularmente raro.Y es que hostia puta, el apartado visual. Ya no son solo los efectos especiales (que siguen siendo bastante reguleros), es que aunque el CGI estuviera bien, el diseño seguiría dando muy mal rollo. Que son gatos con caras humanas, y las caras como que flotan. Las manos y los pies también son humanos. El sinuoso movimiento de los rabos es una clara incitación a la locura. El conjunto es jodido, muy jodido. Muy perturbador. Los escenarios son muy poco creativos, y el uso de las proporciones es vergonzoso. Dependiendo de la escena y del entorno que rodee a los personajes, los gatos parecen tener un tamaño diferente. Los ratones (los ratones tienen cara de niños, no me preguntéis por qué, y se mueven como a saltitos, en serio, son aterradores, ni en los mayores delirios de Cronenberg he visto algo parecido) y las cucarachas (que van como en procesión, no entiendo nada) tienen prácticamente el mismo tamaño. 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El asesinato de la familia Borden La película cuenta la historia real de Lizzie Borden y los asesinatos que cometió en su propia casa en 1892 y por los que nunca fue condenada. Un thriller psicológico sobre como la famosa Lizzie asesinó a su padre y su madrastra con la ayuda de la sirvienta Bridget Sullivan, con la que estableció una afectuosa relación.El asesinato de la familia Borden Critica   Película de argumento soterrado estructurada según las características de un iceberg. Se muestra un diez por ciento al inicio, para deshilvanar el otro noventa por ciento bajo la superficie, todo desplegado dentro de un mecanismo de doble racconto que da cuenta, en términos matemáticos, de una doble derivada que resulta de interrelacionar los excesos de la aristocracia con una misoginia asfixiante. Lo significativo de esta ecuación es que a pesar de que esos mundos son eminentemente masculinos, la película transita en torno a las decisiones de las dos mujeres protagonistas, de distintas clases sociales, respetando el punto de vista de quien da nombre al relato.El símbolo del iceberg funciona debido a que Lizzie es un personaje perturbado, rebajado por la figura paterna y arrinconado por el lugar que la sociedad tiene reservado a la mujer. Las imágenes son oscuras dado que el personaje está sumido en tinieblas desde la primera infancia y su razonamiento se vuelve glaciar, desprovisto de la gama de emociones que se considera normal.«Me da vergüenza ser su hija», le confiesa a Bridget. Lizzie es la hermana menor de las dos hijas que tuvo Andrew Borden en su primer matrimonio. Bridget, la sirvienta que llega a la casa a hacerse cargo de las labores domésticas. Su llegada coincide con el comienzo de un largo racconto que narra los eventos sucedidos antes de los asesinatos. La cinta se viste bajo ropajes de intriga en la primera hora del metraje, donde los personajes actúan según lo acontecido, pero dejan sin muchas luces a los espectadores.Chloë Sevigny hace gala de un amplio registro actoral. Nunca queda claro si está utilizando a Bridget para cumplir su plan perfecto o bien siente aprecio por ella. El tono de la película está marcado por esta indefinición, algo alienada y que avanza a ritmo lento y despiadado.El aire viciado es el telón de fondo de la historia. La sociedad asfixia a sus habitantes, en particular a las mujeres, pero además Lizzie manifiesta cierta tendencia al desorden mental. El origen de sus aflicciones pudo ser la muerte de su madre biológica a los tres años o bien se podría explicar por los maltratos verbales del padre y de la madrastra, siendo estos últimos una especie de exorcismo ante la deshonra a que la expone su marido.El segundo racconto de quince minutos narra los hechos posteriores a los asesinatos. Lizzie es llevada a prisión y el juicio es llevado a cabo a puerta cerrada dada su condición aristocrática.

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La favorita cPrincipios del siglo XVIII. Inglaterra está en guerra con los franceses. Una reina debilitada, Anne (Olivia Colman), ocupa el trono y su amiga Lady Sarah (Rachel Weisz) gobierna el país en su ausencia, debido a su estado de salud y a su carácter inestable. Cuando una nueva sirvienta aparece, Abigail (Emma Stone), su encanto seduce a Sarah. Sarah ayuda a Abigail y ésta ve una oportunidad para regresar a sus raíces aristocráticas. Como la política ocupa gran parte del tiempo de Sarah, Abigail empieza a acompañar con más frecuencia a la Reina. Desarrollarán una amistad que Abigail aprovechará para saciar sus ambiciones.La favorita Critica  Yorgos Lanthimos es un cineasta cuya esencia radica en presentarnos un microcosmos absolutamente ilusorio y ajeno a nosotros, pero que, a medida que se desenvuelve, acaba resultándonos referente al mundo que habitamos. 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De esta manera, el director griego nos vuelve a sugerir que ese microcosmos supuestamente tan lejano tanto en el tiempo como en verosimilitud al nuestro quizás tenga bastante que decir sobre el mundo en el que vivimos consiguiendo así su propósito de oprimirnos y perturbarnos mediante su cinismo.Sí que se percibe más evolución en su cine en cuanto a forma. Los planos opresores cerrados, herméticos, claustrofóbicos y asfixiantes típicos del cine europeo de sus inicios, se han ido sustituyendo por planos más amplios conforme ha ido extendiendo sus conocimientos y sus medios. En ‘Canino’ abundan planos medios, primeros planos y planos detalles, mientras que en sus dos últimas obras, estos han sido reemplazados por más planos generales y enteros. En esta ocasión, utiliza objetivos grandes angulares –incluso en ocasiones ojos de pez–, movimientos semicirculares haciendo de contraplano para mostrarnos a los personajes y toda la ornamentación que les acompaña, planos simétricos, slow motion y suntuosos travellings propios de un cine dotado de mayor presupuesto y con reminiscencias a Kubrick.De este modo, se nos plantea un escenario en el que Olivia Colman, Rachel Weisz y Emma Stone –las tres están estupendas– combaten por saciar necesidades. Así, el personaje de Emma Stone intentará medrar socialmente, ganándose la confianza de la reina y su ayudante para recuperar el prestigio que le fue arrebatado. Para conseguirlo, acabará compitiendo contra Rachel Weisz por ser la favorita de una reina que tampoco termina de verse saciada y feliz debido a sus traumas, complejos y deseo de ser querida. De este modo, surgen tanto amoríos como traiciones con tal de lograr sus propósitos, reflejando lo cruel y retorcido de nuestra existencia y dando lugar a un universo con tanta luz como oscuridad, tanta comedia como tragedia, tanto corazón como raciocinio, tanta calidez como frío, tanto sexo como violencia. Así, se consigue desnudar mediante escenas incómodas las relación y condición humana entre las protagonistas, que dan como resultado un sistema claramente representativo de una estructura social tendente a la corrupción, el deseo, la violencia y cuyo único afán es verse a uno mismo realizado, independientemente de las consecuencias que pueda tener en las otras personas –o estamentos–.En ‘La favorita’ aparecen, además, los temas que obsesionan a Yorgos Lanthimos y recurrentes en toda su obra: los rituales de control y dominación de ‘Canino’, la complicación de la asimilación de la muerte de ‘Alps’, la imposibilidad y superfluidad del amor puro de ‘Langosta’, la tragedia griega de ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ o la relación del individuo con la sociedad presente en todas ellas. Estos temas se ven especialmente reflejados en el personaje de Olivia Colman.En conclusión, me parece una gran película, es una producción mastodóntica, con unas formas muy manieristas y que toca todos los palos de su cine. A pesar de ello, la escasez de primeros planos y la excesiva profundidad de campo, impide implicarse tanto con los personajes como en otras de sus obras, dando como resultado un gran film, pero al que le falta el alma de otras películas pictóricas similares que retratan las miserias y condición humana como ‘Barry Lyndon’ u otros dramas de época sobre las altas esferas como ‘El gatopardo’, ‘Doctor Zhivago’ o ‘Fanny y Alexander’.

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